Una vez más se inicia la conocida peregrinación hacia esa Meca geek llamada Argentina Comic Con. Muchísimos cosplayers -el corazón del evento- ajustan los últimos detalles de su atuendo y se entregan, orgullosos, al flash de las cámaras de los visitantes.
Esta edición cuenta con invitados importantes: el mismísimo Henry Cavill viene a promocionar el estreno inminente de la nueva apuesta de Netflix The Witcher, la serie. La misma está basada en la impactante saga de Andrzej Sapkowski y Przemysław Truścińsk y cuenta también con un aclamado videojuego. Esta producción disputará con uñas y dientes el trono del Fantasy a Games of Thrones a partir de ahora.
Kiernan Shipka y Gavin Leatherwood, actores protagonistas de El mundo oculto de Sabrina también estarán presentes como invitados en el panel internacional. Sin duda, esta producción fue una de las sorpresas del 2018 con buena recepción de la audiencia y la crítica.
Otra de las grandes sorpresas, es la presencia del mangaka Junji Ito traído por la Editorial Ivrea en virtud de la edición argentina de Remina. Junji ito es un artista de culto y de amplia trayectoria en el género del horror. A Sala Llena tuvo la oportunidad de conversar con él en una entrevista exclusiva.
Viernes 6 de diciembre
Entrevista con el mangaka Junji Ito
Junji Ito es sinónimo de horror. Desde que ganó el premio en 1987 por un relato corto en el certamen de Kazuo Umezu – uno de los históricos mangakas del género-, su carrera no paró de ascender. La influencia de H.P. Lovecraft en la construcción de un terror sobrenatural e implacable es notoria. Junji Ito ha escrito verdaderos tratados de la locura en la que sus personajes luchan por combatir esa fuerza siniestra y muchas veces, terminan subsumidos en ella. Sus dibujos son potentes, crudos en consonancia con las historias que se narran.
Algunas de sus obras más notables incluyen Tomie, una serie que narra las crónicas de una joven inmortal que impulsa a sus admiradores a la locura; Uzumaki -acaso su trabajo más potente-, una serie de tres volúmenes sobre una ciudad poseída por espirales, y Gyo, una historia en dos volúmenes donde los peces son controlados por una bacteria que los hace comportarse de una manera extraña. Todas estas obras son recomendables.
Junji Ito nos recibe con cordialidad, junto a su familia y a su traductora. La entrevista se hizo en castellano-japonés.
Junji Ito, ¿es su primera vez en Argentina? ¿Conoce algo de aquí?
Sí es mi primera vez aquí, pero realmente no conozco mucho de la cultura argentina. Estando tan lejos, a veces, es difícil que nos lleguen noticias.
Creo que el escritor argentino Jorge Luis Borges es un buen lugar para empezar, Junji Ito. Seguramente le gustaría…
Sí, escuché ese nombre antes. Lo tendré en cuenta, ya que realmente recuerdo que alguien me lo mencionó antes.
¿Le interesa H.P. Lovecraft? ¿Qué es el miedo para usted?
Sí, he leído a Lovecraft y una de las cuestiones fundamentales es ésta: de repente se nos aparece un hecho, un evento inesperado; la vida se trata de esta serie de situaciones que no podemos prever. El problema es justamente que esos hechos nos enfrentan a la incertidumbre. Un acontecimiento que no sabés como va a terminar… Esa imposibilidad de saber es la que genera miedo y por eso estoy muy de acuerdo con esa frase.
A menudo se ha referido a como uno de sus principales referentes porque ha logrado “estilizar la brutalidad”, ¿puede ampliar esa idea?
Es medio complicado para poner en palabras porque se trata de una apreciación principalmente visual en este caso. “Vos ves esta pared negra y para vos puede tener belleza”. Hay algo subjetivo que va más allá de quien lo produce. La potencia de la brutalidad en Hideshi Hino tiene que ver con una apuesta, el dispone los materiales pero la interpretación siempre está en el espectador. En ese sentido, lo grotesco puede ser hermoso, es una experiencia, una vivencia… No sé si se puede explicar…
Junji Ito ha señalado que Gyo es una re-escritura de Tiburón (1975), de Spielberg. ¿Qué otros directores lo han influenciado?
Primero, yo le tengo miedo a los tiburones (risas). Entonces ese tiburón me da miedo, pero el agua lo detiene. ¿Qué pasaría si pudiera salir?, eso me pregunté, esa es mi idea en Gyo.
Por otro lado, cuando trabajo en una obra, hay mucha gente que integra mi equipo que aprecia a Albert Hitchcock. En Uzumaki hay muchos pasajes con esa referencia. En El Faro Negro (Cap. 9), por ejemplo, el que está leyendo sabe que algo malo va a pasar, pero los personajes no… Entonces hay un juego entre la composición de lo que el espectador espera y lo que los personajes desconocen. Cuando se enciende la luz del faro, por ejemplo, los que están ahí subiendo, se queman, les pasa algo malo pero el momento previo, la tensión crea una atmósfera específica. Eso lo tomamos del cine de Hitchcock…
Uzumaki construye una cartografía del terror. Una ciudad muy tranquila en la cual todas las personas y las instituciones (familia, escuela, hospital) van cayendo en la locura y alienándose. En Black Paradox, el suicidio, elemento romantizado en la mirada occidental sobre la sociedad japonesa, se muestra sin filtros, con crudeza… Teniendo en cuenta estos trabajos, ¿hay lugar en su obra para la crítica social?
No son temas que aparezcan de manera intencional. Son cuestiones que fluyen con naturalidad a medida que estoy desarrollando una obra. La locura o ciertos problemas sociales están en mi trabajo, pero no como denuncia ni como un planteo que desencadena otra cosa. Todos los temas o cuestiones sociales, políticas o filosóficas que se desprenden no son anteriores al proceso creativo, sino que viven en él.
Muchas Gracias. Ha sido un gusto, Junji Ito.
Lo mismo, gracias.
(A Sala Llena agradece la gentileza a Ivrea Argentina y Raquel Flotta Prensa & Comunicaciones)
Presentación del film Urpus, leyendas de terror
En el auditorio se presentó la película argentina Urpus, leyendas de terror, dirigida por cinco directoras: Mariana Catanzaro, Ruth Gómez, Ayi Turzi, Georgina Zanardi y María José Celiz Sayah. Bajo la mirada femenina, se narran historias de horror que recrean tópicos como lo vampírico, lo monstruoso y lo sobrenatural. Cada una de las historias desarrolla una reescritura sobre alguna leyenda estableciendo una nueva perspectiva de la matriz folclórica. Las directoras destacaron la importancia de la construcción de un lugar femenino desde dónde contar el miedo ligado a cierta sensibilidad estética. Esto equivale a una apropiación legítima de las mujeres sobre el género del horror dentro y fuera de la pantalla.
Otro punto atendible fue el entusiasmo con el que las directoras manifestaron la producción de esta obra. En primer lugar, hicieron hincapié en las condiciones económicas adversas para filmar en Argentina, pero instantáneamente reflexionaron sobre la búsqueda autogestiva. Explicaron cómo, a través de la participación de otras productoras regionales, pudieron lograr imágenes de Ushuaia, la costa y otros parajes argentinos, subrayando un espíritu solidario y cooperativo.
Finalmente, transmitieron mucha expectativa por la presentación de la película en festivales internaciones y por la recepción del público.
Panel de El robo del siglo
Cerca de las 20 hs. tuvo lugar otro de los grandes atractivos de la jornada: el panel de El robo del siglo, la nueva película de Ariel Winograd. Estuvieron presentes el director y nada menos que Guillermo Francella, uno de los protagonistas. El público deliró con la aparición del astro, quien desplegó su simpatía habitual y hasta recuperó algunos de sus clásicos latiguillos. Moderados por Axel, ambos dieron detalles de la película, inspirada en el famoso robo a la sucursal de Acassuso del Banco Río, en enero de 2006, en el que no hubo un solo disparo, y que hasta inspiró la serie española La casa de papel.
Winograd considera que en el robo “había una cosa argentina, había una cosa de viveza, de sorpresa”. Por su parte, Francella habló de su interpretación de Luis Vitette Sellanes (el carismático integrante de la banda) y de cómo todavía mantiene contacto con él, hoy extraditado en Montevideo. De hecho, Vitette Sellanes fue uno de los consultores de la película.
Además, todos coincidieron en que hacer la película fue una experiencia ardua, pero muy divertida. Una propuesta muy fiel a un episodio que, como dijo Winograd, cualquier productor tildaría de inverosímil si formara parte de un guión original.
También fueron proyectados el tráiler, un detrás de escena (con fragmentos del laborioso trabajo de efectos especiales) y una escena que permite apreciar el tono humorístico de la película, aunque sin desviarse de los hechos: una anciana rehén confiesa que es su cumpleaños y los ladrones arman un mini festejo con un alfajor y un fósforo a modo de vela. El aperitivo ideal para uno de los tanques cinematográficos argentinos de 2020.
© Paola Menéndez y Matías Orta, 2019
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