Lung Boonmee Raluet Chat ( Uncle Boonmee who can Recall his Past Lives, Apichatpong Weerasethakul, Reino Unido, Francia, Tailandia, Alemania, España, 2010), por Jose Luis De Lorenzo
Crítica previamente publicada con motivo de exhibición en el 63º Festival de Cine de Cannes.
Apitchatpong en su mejor momento.
No sorprendería que sea quien se alce con el galardón al mejor film, luego de ejemplares films como Tropical Malady y Syndromes of the Century.
El tío Boonmee es una persona que padece una enfermedad renal, decide pasar sus últimos días alejado de la ciudad a un lugar más campestre, fantásticamente aparecen a cenar a su mesa varios invitados inesperados, entre ellos el fantasma de su mujer y una combinación de animal de bosque con ojos encendidos, reencarnación de su hijo, todos ellos con algo que decir, crear un ambiente fraternal y dialogar. Este le indica que hay muchos de ellos esperando, visitando, observando a los vivos, escuchan los diálogos, las plegarias y cada vez que un vivo los menciona.
El film es de lectura compleja, tono espiritual al que ya nos tiene acostumbrados Apichatpong, una fascinación para los sentidos.
Presentada en Competencia Oficial.
Link a la web oficial del festival, conferencia de prensa:
http://www.festival-cannes.com/en/mediaPlayer/10750.html
El Padre de mis Hijos (Le Pére de mes Enfants, Francia, 2009), por Rodolfo Weisskirch
Dirección y Guión: Mia Hansen Love. Productores: Oliver Damian, Phillippe Martin, David Thion. Elenco: Louis-Do de Lencquesaing, Chiara Caselli, Alice de Lencquesaing, Alice Gautier, Manelle Driss. Duración: 110 minutos
Crítica previamente publicada con motivo de exhibición en Les Avant-Premieres 2010.
Es la historia de Jerome, un productor cinematográfico, casado y con tres hijas, dos de ellas infantes, y la tercera adolescente. Jerome tiene varios proyectos realizándose al mismo tiempo, y además está por producir un film coreano, y va a tratar de apoyar el nuevo guión de un joven realizador.
Sin embargo no puede ocultar sus deudas. Trata de poner lo mejor de sí y con todo el optimismo posible para darle confianza a sus clientes, empleados y familia, que va a poder salir adelante con todo.
Durante el tiempo libre, trata de ayudar a sus hijas en las tareas, asistir a su esposa, pero el celular no deja de sonarle, cada vez, con mayores problemas.
Lo que para muchos podría tratarse en un principio de una sátira acerca de la agitada vida de un productor, con un humor negro cínico pero camuflado de liviano al mejor estilo la inédita What Just Happened? de Barry Levinson, se convierte paulatinamente en un melodrama que, a pesar de un golpe bajo imprevisible, sorpresivo, pero a la vez coherente y verosímil con el contexto narrativo. El guión, que no tiene ninguna fisura, propone una progresión dramática, un juego de interacción entre el espectador y la familia protagonista.
La historia francesa, la arquitectura funcionan como perfecta metáfora sobre la situación que vive el protagonista.
A la mitad del relato se cambia el punto de vista del narrador, centrándose en la esposa y Clemence, la hija mayor del matrimonio, que busca también el primer amor. Cada uno con sus inseguridades y cuestionamientos con respecto al futuro de cada uno. La película, sin dudas, crece en interés en esta segunda mitad, porque la directora puso a sobreaviso, que todo puede llegar a pasar. Y a pesar, de tratarse de un drama, el relato toma un carácter de intriga y angustia por los personajes. Es muy difícil adivinar como va a terminar todo, pero la directora lleva el relato a buen puerto, sin necesidad de forzar situaciones, con armonía, ni incluir más puntos de giros que no tienen que ver con la historia.
Una fotografía bella, prolijos encuadres, buen ritmo narrativo con influencias de cine rohmeriano y de Olivier Assayas (el Assayas más tranquilo como el de Las Horas del Verano) acompañan un guión lleno de sutilezas, silencios, miradas que dicen más que muchos diálogos. Las excelentes interpretaciones de Louis-Do de Lencquesaing, su hija Alice, y Chiara Caselli, apoyan esta pequeña joyita del nuevo cine francés.
Hansen Love, de apenas 29 años, tiene una mirada diestra, veterana para ser apenas su segunda obra (tiene antecedentes como actriz desde los 18 años).
La película tiene escenas emocionantes, pero nunca lacrimógenas o sensibilizadotas. A la vez también tiene pequeños momentos de humor. Por ejemplo, las discusiones con un excéntrico y meticuloso director de cine sueco, que Jerome protege. La relación de ambos recuerda un poco al trato que tenía Werner Herzog con Klaus Kinsky.
Una reflexión acerca de cómo, cuando se cae el poder, puesto en los hombros de un solo hombre, las consecuencias de sus actos ególatras, repercuten en todas las personas que están a su alrededor.
Las Playas de Agnes (Les Plages d’Agnès, Francia, 2008)
Dirección, Guión y Producción: Agnès Varda. Distribuidora: IFA Cinema. Duración: 110 minutos.
Realizar un documental autobiográfico es un gran desafío, tanto personal como profesional. Por un lado, debe llevarse a cabo en un momento importante de la vida del realizador, donde el pasado sea valioso a tal punto de quererlo compartir con los cientos o miles de eventuales espectadores. Desde el punto de vista cinematográfico, el director tiene que desnudar no solo su vida en la pantalla, sino que su ideología, pensamiento y parecer estético con el correr de los fotogramas. Tal proeza es lograda con exquisita delicadeza en Las Playas de Agnès, donde Agnès Varda nos invita a mirar sus vivencias a través de sus ojos llenos de arte.
La protagonista es una inquietante personalidad. Ya con su peculiar peinado, la forma de caminar y la constante alegría que muestra a sus histriónicos ochenta años. Conocida en un principio por sus trabajos fotográficos, la artista fue un referente del impresionismo en pleno apogeo artístico francés. Más tarde, sintió la necesidad de trasladar sus imágenes al movimiento que proporciona el cine. Dirigió, escribió y produjo más de cuarenta trabajos, algunos en los que coqueteó con el mercado estadounidense.
La forma en que su vida es contada es, en su mayoría, cronológica. La película inicia con la puesta en escena de una playa, donde sobre la arena yacen numerosos espejos que reflejan inequívocamente al mar. “Si se buscara dentro de la gente, se encontrarían paisajes; si se buscara en mí, encontrarían playas”, es la primera reflexión que dice y explica el escenario principal de la historia. Lo original es la forma en que se adapta esa orilla a diversas etapas de su vida, donde veremos desde una decena de chicos jugando hasta un espectáculo circense. Así, sucesivamente, se van repasando las historias de su infancia, las maritales, familiares y profesionales. Cuando se adentra profundamente en su trayectoria, el filme desacelera el interesante ritmo que llevaba adelante, cuando se empiezan a dar demasiados detalles sobre proyectos y, sobre todo, políticos, colegas, actores y estrenos. Información interesante, claro, pero contada de una manera que desarticula el relato.
El mayor merito que logra Varda es transmitir su candidez humana en todo momento. Una película autobiográfica no podría ser tan alegre, inspiradora y apasionada por el arte y los suyos sin una persona que responda a todas esas cualidades. Es por eso que, si uno ve esta historia de vida, es posible que haya conocido con bastante cercanía a Agnès, sin importar la brecha generacional o los kilómetros que separen a la realizadora de la audiencia.
Por Damian Hoffman
Nota: Crítica publicada con anterioridad en http://cronicasdelbafici.blogspot.com/ , con motivo de exhibición en el 11ºBAFICI.
Documental autobiográfico de la artista/directora Agnes Varda que según sus palabras, presenta su “interior” reflejado en playas.
Como recuento de su vida, desde su infancia, estudios, obras, su relación junto al director fallecido Jacques Demy, el film desborda originalidad gracias a su magnífica puesta en escena – tomas con espejos a orillas del mar, paseos por su ciudad natal, recorridos por los lugares donde ocurrieron acontecimientos importantes de su vida – y la gran fuente de información de la que Varda con sus 80 años recuerda, afirma y aporta en material fotográfico y filmaciones caseras. Es notable como sus recuerdos se mantiene vigentes, sus acotaciones, remarques y conversaciones.
Al asimilar la información que Varda imprime en fílmico uno puede intuir que estamos en presencia de una artista nata, sin haber estudiado cine, sin ser cinéfila, su forma de expresarse en diversos ámbitos artísticos, mediante instalaciones, fotografìa, pintura, y cine.
Varda, no sólo limita el documental a sus trabajos sino revisa sus lazos familiares y conyugales también, es notoria la falta de Demy en su vida, una ida temprana con una desagradable enfermedad, el consuelo y apego a sus nietos. Cronológicamente la vemos altercando vivencias con actores como Noiret, Depardieu o Denueve. Su importancia y participación en el movimiento original de la Nouvelle Vague junto a Godard, Truffaut, Rivette, Rohmer, Chabrol o Melville.
Por Jose Luis De Lorenzo
Un viaje hacia el pasado con idas y venidas al presente; eso es Las Playas de Agnès: el autorretrato de una de las cineastas más prolíferas de Francia, iniciadora de la Nouvelle Vague. Agnès Varda hace a través de este documental, y a punto de cumplir ochenta años de vida, un balance de su vida personal y artística.
Creativa, soñadora, valiente, desafiante; son todas cualidades que posee la directora y que se unen en este film, logrando una obra que no deja nada librado al azar. Recorre el tiempo hacia atrás y rememora su infancia –marcada por la guerra y la huida familiar de una ciudad tomada por los nazis-, pasando por sus primeras fotografías, sus miedos, preocupaciones, viajes, su activa participación social, su familia y su presente. Hace también un recorrido por su filmografía, a veces realista, a veces influenciada por la moda; otras, por los artistas que le fueron contemporáneos, que dejaron su impronta en el tiempo e influyeron en la cineasta.
Varda utiliza de manera inteligente no solamente las posibilidades audiovisuales que tiene al alcance –y conoce a la perfección- sino que también participa ella misma, con su propia expresión –sus pasos hacia atrás en las playas, los espejos, las charlas con viejos amigos-.
El film es un exquisito documental lleno de información y guiños que encantará a cualquier cinéfilo. Sin embargo, es extenso y de ritmo pausado, razón por la que seguramente el público de las salas comerciales no llegará a disfrutarlo suficientemente.
Por María Eugenia D’Alessio
Los Senderos de la Vida (Treeless Mountain, Corea del Sur, 2008), por Julia Panigazzi
Guión y Dirección: So Yong Kim Producción: Bradley Rust Gray, Ben Howe, So Yong Kim, Lars Knudsen, Jay Van Hoy. Elenco: Hee-yeon Kim, Mi-hyang Kim, Song-hee Kim.Distribuidora: Cris Zurutuza. Duración: 89 minutos.
Crítica previamente publicada con motivo de exhibición en cartelera.
La directora de In between days nos sorprende con un film bastante personal, donde cuenta las desventuras de dos pequeñas hermanas las cuales son abandonadas por su madre en casa de una tía quien al no poder hacerse cargo de ellas las lleva a casa de su abuelos. Inspirada en eventos de su infancia So Yong Kim trata de representar en el rostro limpio de Jin lo que ella sintió cuando su madre se divorció y la dejo en una granja de arroz junto a sus abuelos.
Podríamos decir que el film es su gran proyecto, el cual desarrollo y hasta soñó por más de cinco años.
Los resultados fueron el premio Murh a mejor película en el International Film Festival (2008) y el Premio Netpac a la directora en el Pusan International Film Festival (2008) entre otros.
Los senderos de la vida es un titulo horroroso por lo desatinado, tal vez al original no le encontraron relación pero es más acertado: Treeless Mountain .
La formula consiste en seguir día y noche a la pequeña Jin de 6 años , quien corre detrás de su bonita hermana Bin en busca de monedas que llenen la alcancía que representa la esperanza de la vuelta de su madre. Los primeros planos y el seguimiento en cada acción de las niñas tiene algo de documental y también es algo agotador, esto hace que se torne un tanto lenta. Sin embargo la sonrisa de Bin y la entereza de Jin valen la pena como para seguir la historia .
Recuerda muy vagamente a el film Jibeuro (Sang Woo y su abuela o Camino a Casa) pero no es tan lacrimosa sino que con una sencillez y una delicadeza únicas retrata un duro momento en la vida de una niña.
Castro (Argentina, 2009), por J.L.D.L.
Dirección y Guión: Alejo Moguillansky. Producción: Laura Citarella, Mariano Llinás. Elenco: Edgardo Castro, Julia Martínez Rubio, Carla Crespo, Esteban Lamothe, Alberto Suárez, Gerardo Naumann, Rita Carou, Fernando Tello, Esteban Bigliardi. Duración: 85 minutos.
Crítica previamente publicada con motivo de exhibición en BAFICI 20009.
Ganadora del Premio a Mejor Película y Mejor Fotografia de la Selección Oficial Argentin.
Una huida y persecusión, hombres y mujeres corriendo a lo largo de todo el film por las calles de Buenos Aires, subiendo y bajando repentinamente de colectivos, con hábitos como dormir en un placard, escalera o dado vueltas sobre el piso. Un perseguidor con muletas..!!? Idas y vueltas, intercambio de autos, frenadas, acorralamientos…
El film es 100% vertiginoso, sin saber jamás qué se busca, ni el por qué de a quien se persigue, un hombre de apellido Castro, quien ya se presenta cansado de éstas vueltas, su pareja no hace más que recriminarle que se consiga un trabajo.
Castro, al igual que la otra producción de PAMPERO FILMS, Todos Mienten, han sido denominadas por sus directores como proyectos hermanos, concebidos al mismo tiempo, comparten actores, y hasta la idea de crear un sub-mundo en ambos casos, en el que el espectador debe necesariamente zambullirse en ellos para disfrutar de éstas alocadas y disfrutables historias.
El film remite a Invasion de Hugo Santiago, quien es mencionado en creditos finales.
La música juega un rol importante en el film, acompañando puntillosamente la acción.
