Pinamar, 6 de marzo de 2011
Día 2
En el día de la fecha podemos aseverar que arrancó el ciclo Pantalla Pinamar con creces.
Sobre materia de organización, el encuentro cinematográfico permite una amplia gama de propuestas. Por las mañanas se brindan conferencias de los films exhibidos el día anterior con presencia de involucrados en la realización, directores, productores, elenco.
Se llevó a cabo la conferencia del film seleccionado para la apertura, Juntos para Siempre de Pablo Solarz, haciéndose presentes el productor y distribuidor Pascual Condito, Peto Menahem, Malena Solda, Luis Luque y Silvia Kutica como parte del elenco. El staff de periodistas acreditados interrogó al guionista devenido en director –esta es su ópera prima en esta profesión- acerca de la experiencia de cubrir ambos roles, la decisión del rol que en materia de guión le brinda al género femenino, cuánto de autorreferencia hay en el film debido a que el personaje principal también es un guionista y director, dudas sobre si existía algún tipo de homenaje a films como Vértigo y Esplendor Americano y a directores como Allen, según se barajó. Las respuestas de Solarz fueron auténticas y firmes, no ve en su cine ningún tipo de estas relaciones propuestas, pero sintió como un agradecimiento el sólo hecho de haber sido mencionadas. Peto Menahem sugirió con comicidad que el personaje que interpreta tiene puntos en común con su vida real y por otro lado, rompiendo el hielo de una conferencia en piloto automática se sugirió el por qué no haber dado un pequeño rol al productor Condito, quien en otras producciones ha realizado cameos varios.
Tras finalizada la charla, se procedió al anuncio de las nominaciones a los Premios Cóndor de Plata 2011 cuyas ternas pueden visualizar en el link publicado a continuación. En la sala surgió un clima afetuoso hacia el actor Willy Lemos –presente en el momento de anuncio-, nominado a Mejor Actor de Reparto por su merecida participación en Paco, y de discordia hacia nominaciones a revelaciones masculinas y femeninas como resultaron las de Antonio Cafiero por Pájaros Volando e Isabelita Sarli por Mis Días con Gloria.
Por la tarde, la Embajada de la India realizó una ceremonia con motivo del foco que se realiza sobre ese país, estando presente el Embajador en nuestro país, el Sr. Rengaraj Viswanathan. Se presentaron danzas tradicionales a cargo de tres bailarinas y un lunch temático.
Sección: Invitado Especial: El Cine de la India
Diarios de Mumbai (Kiran Rao, 2010), por Cecilia Martinez
En el marco de la presentación del cine de la India, se estrenó Diarios de Mumbai, otro producto más de la gigantesca industria cinematográfica de Mumbai, Bollywood, que en los últimos años ha empezado a conectarse con la industria Latinoamérica, según comentara el embajador de la India en la conferencia inaugural.
Es también la opera prima de la directora Kiran Rao, quien también escribió el guión de la película.
Cuatros historias de personas muy disímiles, con pasados y presentes muy distintos, se entrelazan en esta historia que hace acordar mucho a las estructuras corales de Iñárritu. La inclusión de la banda de sonido a cargo de Gustavo Santaolalla contribuye sustancialmente a transportarnos al mundo Iñárritu, más una puesta en escena realista y por momentos bastante cruda.
Sin embargo, a diferencia de las historias del director mexicano, este es un relato bastante naif, centrado principalmente en dos historias de amor con una sola protagonista y en otra historia, mostrada mediante filmaciones de video, acerca de una joven que graba un diario para su hermano sobre su vida en Mumbai y su infelicidad allí. Esta última historia es la más triste y desoladorada de todas.
Estamos frente a una historia simple, que aborda temas como el amor, la soledad y la pérdida, con interesante montaje y fotografía, que sirven para recorrer tanto la cuidad como las vidas de estos personajes mediante los viajes de su protagonista para sacar fotos y otro tipo de material como fotografías, imágenes en blanco y negro, pinturas y filmaciones de la ciudad.
Un film cuidado, prolijo, lindo. Nada del otro mundo.
Sección: El Acontecimiento
Balada Triste de Trompeta (Alex de la Iglesia, 2010), por Jose Luis De Lorenzo
El último film de Alex de la Iglesia, presentado por Claudio Minghetti con una introducción valiosa, resultó ser un film cargado de controversia, de aquellos que de realizar una rápida apreciación a minutos de verla sería desacertado, de hecho muchos colegas a la salida de la sala continuaban procesando el calibre de material que el film presenta.
La historia va de un grupo circense vinculado a acontecimientos políticos acaecidos en España, referenciales a la época dictatorial de Franco, de enfrentamientos armados, terrorismo de Estado y una faceta histórica que por más que hayan pasado contadas décadas producen controversia y heridas no cerradas, el tono del film es grotesxo. A partir de la metáfora, de la Iglesia entrevera que en el mundo casi todos somos payasos o bien podríamos serlo, en todo contexto social, político y humano podríamos ser representados por una de éstas figuras aquí presentadas con tristeza o alegría, con vínculo de mordaces situaciones, violencia por doquier, seres sombríos, activistas, pesimistas, en fin, una amalgama de personajes referenciales.
Cargada de violencia, sin llegar al extremos que representó en su carrera el film Perdita Durango, de la Iglesia se atreve a ir más allá sobre el apartado de convicciones standares. Santiago Segura realiza una participación como el Payaso Tonto, a quien su hijo ve tenér que enlistarse para combatir, ser apresado y morir, acto disparador de la psicología del personaje principal, el de un payaso que no atrae, no hace reir y no encaja entre sus pares. El submundo circense es presentado como una sociedad en su conjunto.
Por su lado, la caracterización de Antonio de la Torre es apabullante, personaje a quien le encomiendan un importante peso de violencia verbal, física y sexual. Entre los personajes secundarios se destacan Sancho Gracia quien había participado con el director en 800 Balas y Carolina Bang como el eje de atracción entre dos personajes opuestos.
Balada Triste de Trompeta (Alex de la Iglesia, 2010), por Cecilia Martinez
Ridi, Pagliaccio
Balada Triste de Trompeta es una de esas películas que no le pasan desapercibida a nadie, independientemente de cuánto se admire a su director.
Con una fotografía macabra y oscura y una banda de sonido poderosísima, Alex de la Iglesia nos sumerge en este mundo de payasos, en este Carnivale, en este freak show de amor y muerte.
Ambientada en la España franquista, la película relata la vida de un payaso triste, cuyo destino es no hacer reír a los niños, ya que, habiendo vivido rodeado de dolor, jamás podrá llevar alegría al circo sino solo tristeza y dolor, a menos que haga virar su destino y elija la venganza como forma de vida. Inspirado por “Balada de la Trompeta” de Raphael, el payaso triste va mutando hasta convertirse en un ser macabro, diabólico, con infinitas ansias de venganza y dolor, obsesionado por el amor de una trapecista, novia de su enemigo, el payaso alegre, y por acabar con todos aquellos que se crucen en su camino.
Inspirado en los personaje de Lon Chaney, Alex de la Iglesia construye este payaso triste, tímido, sometido y humillado para luego transformarlo en un ser grotesco, siniestro y lleno de maldad.
El uso del material de archivo para ilustrar distintos momentos de la guerra deja entrever claras reminiscencias de Canciones para Después de una Guerra, gran documental sobre la España de Posguerra.
Alex de la Iglesia mezcla géneros y los lleva al extremo; cada secuencia es exagerada, recargada, creada para impactar visual y dramáticamente. La estructura narrativa se sostiene solo por el caos y los excesos reinantes. Surrealismo, oneirismo, humor negro y mucho mucho gore: sangre, mutilaciones, violencia grafica, sexo salvaje, mujeres exuberantes, sometimiento, humillaciones, animales, canibalismo; todo estos elementos contribuyen al hermoso caos que es esta película. Sumado a esto, el montaje sumamente violento, la música salvaje y macabra, y el vestuario y los efectos sorprendentes crean esta atmósfera grotesca, oscura y delirante que solo Alex de la Iglesia es capaz de crear. Porque él mismo se define como un payaso, “que se inmola haciendo el ridículo”, que debe salir al espectáculo disfrazado y dar lo mejor de si mismo cada vez.
“Ponte el traje
y la cara enharina.
La gente paga y aquí quiere reír,
¡ríe, Payaso, y todos te aplaudirán!
Transforma en bromas la congoja y el llanto;
en una mueca los sollozos y el dolor.”
Sección: Hoy es Mañana
La Verdad, a Cualquier Precio (Route Irish, Ken Loach, 2010), por Cecilia Martinez
Un ex soldado inglés de la SAS, contratado para pelear en la guerra de Irak, intenta descubrir a los perpetradores del asesinato de su mejor amigo de la infancia y, en el camino, desenmascarar el negocio de los contratistas privados dentro de la guerra.
La película pretende denunciar y poner de manifiesto cuestiones acerca de la guerra y los trasfondos político-económicos que subyacen en todo conflicto bélico pero ni siquiera logra ese cometido de denuncia social. La trama se termina centrando demasiado en el personaje principal, Fergus, y en sus propios demonios, su propia violencia, su propia culpa por haber arrastrado a su mejor amigo a la guerra a cambio de 10.000 euros por mes. La historia entonces de desdibuja al focalizarse en este personaje y la investigación que lleva a cabo para resolver el asesinato es torpe, forzada y poco creíble. La resolución, también torpe y poco creíble, solo termina mostrando a Fergus como un criminal tan atroz como los que él mismo persigue y condena.
En medio de esto, una historia de amor extraña con resabios de un pasado que desconocemos y que, al no ponernos en contexto, nunca llegamos a conocer del todo. Solo sabemos que Fergus tuvo un pasado con Rachel (viuda de Frankie) y hay una cierta triangulación extraña, no del todo explicitada. La relación entre Frankie y Fergus también es extraña, dos amigos que compartían todo, inseparables, que se “amaban” e que incluso habían ido a la guerra para estar juntos. Algunos insinuaciones pero nada demasiado claro. Y eso ocurre a lo largo de toda la película.
El film nos da algunos pantallazos sobre las atrocidades cometidas por los contratistas amateurs, la matanza indiscriminada e impune de civiles, la falta de coordinación entre el personal del ejercito y los asesinos a sueldo, que solo van a la guerra por cuestiones económicas, sin tener ni los recursos ni la idoneidad necesarias. Había mucho para explorar en estos puntos, mucho para decir y denunciar, para profundizar en estas temáticas y mostrar la realidad de Irak y Afganistán. Pero algo no convence en todo esto; creo que Loach no se termina metiendo de lleno en este conflicto y prioriza mostrar el deterioro psicológico de un ex soldado atormentado y así nos deja con una sensación indefinida. Redacted (Brian de Palma, 2007) es mucho más eficaz en mostrar las atrocidades de la guerra, desde otro punto de vista y con otra estética (en este caso, un falso documental), pero conmueve y moviliza muchísimo mas, sirve como gran documento de denuncia social y contribuye a aumentar el sentimiento hostil hacia los Estado Unidos.
Route Irish promete pero deja las cosas a mitad de camino.
Proyectada el día 5 de marzo
Aguas Turbulentas (Erik Poppe, Noruega, 2008), por Rodolfo Weisskirch
Esta película fue preestreno exclusivo del Ciclo Nuevo Cine Noruego exhibido en la Sala Lugones del Teatro San Martín.
Culpa, redención y perdón. Básicamente, esas son las tres palabras que dominan este melodrama noruego, que cuenta con algunas situaciones similares a las que viven los personajes de los Dardenne. En sí, el argumento parece una combinación entre El Niño y El Hijo.
Jan Thomas secuestra por divertirse a un bebé. Accidentalmente este se escapa y muere. 8 años después sale en libertad condicional y trata de rearmar una nueva vida, encontrando trabajo como organista de una iglesia protestante. Allá conoce a Anna, la pastora de la misma. Ella tiene un chico muy parecido al que Jan había secuestrado. Mientras que la relación de Anna y Jan prospera, el chico empieza a sentir verdadero cariño por el muchacho que sale con su madre. Debido a su pasado, Jan rechaza, en principio al niño, y a la vez esto lo obliga a mentirle a Anna. Su vida prospera hasta que aparece la madre del chico que murió en sus brazos. A partir de este momento conoceremos, el otro lado de la historia, el de la víctima.
Poppe crea un relato de tensión que se va construyendo lentamente. Un melodrama hecho y derecho con interpretaciones frías y austeras, propias del comportamiento de los países escandinavos. La primera mitad de la película, que se centra en las relaciones que Jan crea, en su camino de “redención” son lo mejor de esta película, especialmente por la sólida interpretación del protagonista, Pål Sverre Valheim Hagen. Los problemas surgen cuando a la mitad de la obra, se cambia el punto de vista. El suplir de la madre por la pérdida del hijo. Si bien es cierto que la historia de Jan se estaba agotando, a esta altura del metraje, también es verdad que mostrar el proceso de aceptación de la muerte y el posterior reencuentro con el asesino posibilitan que el relato construya una trama obvia, previsible, cercana a los guiones de Guillermo Arriaga (21 Gramos, Camino a la Rendención), pero un poco mejor dirigida.
La densa, profunda, pero verosímil actuación de Ellen Dorrit Petersen hacen esta mitad, un poco más visible, aunque no lo suficiente para notar que el relato ha caído. Algunas situaciones están demasiado forzadas en pos de que se “resuelvan” los conflictos.
Poppe integra una estética interesante: usando teleobjetivos que dejan a los protagonistas en primer plano, fuera de foco, en función de demostrar que siempre detrás de cada uno hay un historia que se oculta, que uno no puede juzgar a la persona por lo que ve a primera vista.
Aguas Turbulentas es un drama que posee atributos cinematográficos, pero cae en las típicas tentaciones de los culebrones clásicos con moralina y feliz conciliador incluidos. Como en el cine de los Dardenne, el golpe bajo es reemplazado por ciertas sutilezas del lenguaje, que logran separar un poco al espectador de la historia. Pero si quieren que sea honesto, lo que realmente la salva son las soberbias interpretaciones. El resto es discutible.
Sección: “Y el Ganador es…”
Crítica de films que integran la sección previamente publicadas en A SALA LLENA:
Proyectadas el día 5 de Marzo:
Rompecabezas, por María Eugenia D’Alessio
http://www.asalallenaonline.com.ar/mas-estrenos/139-estrenos-del-29042010/693-rompecabezas.html
Dos Hermanos, por Jose Luis De Lorenzo
Carancho, por Rodolfo Weisskirch
Proyectadas el día 6 de Marzo:
Los Labios, por Rodolfo Weisskirch y Jose Luis De Lorenzo
Che, un Hombre Nuevo, por Rodolfo Weisskirch
Amor en Tránsito, por Julia Panigazzi
http://www.asalallenaonline.com.ar/mas-estrenos/185-estrenos-del-02122010/1457-amor-en-transito.html
La Mirada Invisible, por Jose Luis De Lorenzo
